مختلف

بربارة غيسي - فنانة - أعمالها

بربارة غيسي - فنانة - أعمالها


الفن والبيئة

باربرا غيسي الأعمال

الدلو

«يمثل قاع البحر ، وهو تمثيل للعوالم المغمورة وغير المعروفة ، أماكن الروح. كل عمل هو رحلة استبطانية بحثًا عن الذات ».لقب: الدلو
تقنية: لوحة زيتية على قماش
أبعاد: ١٠٠ × ١٢٠ سم
سنة: 2011

انظر إلى أعمال باربرا غيسي الأخرى

إذا كنت فنانًا وترغب في نشر أعمالك على هذا الموقع ، فاكتب على العنوان [email protected]


من كانت باربرا هيبورث

كانت باربرا هيبورث فنانة إنجليزية مشهورة قبل كل شيء بمنحوتاتها ، وتعتبر من أوائل الأعمال التجريدية في تاريخ الفن الإنجليزي. احتفلت Google اليوم بباربرا هيبورث برسم شعار مبتكر لأنه في 25 أغسطس 1939 ، قبل واحد وثمانين عامًا ، انتقلت إلى سانت آيفز ، وهي بلدة صغيرة على الساحل الجنوبي لإنجلترا ، حيث أنشأت الاستوديو الخاص بها وأقامت بقية حياتها - وظيفتها.

ولدت باربرا هيبورث في ويكفيلد ، غرب يوركشاير ، عام 1903. كان والدها مهندسًا وسمح لها بالدراسة والحصول على منحة دراسية في مدرسة ليدز للفنون أولاً ثم إلى الكلية الملكية للفنون في لندن. في ذلك الوقت ، تعلمت باربرا هيبورث تقنية جديدة لوقتها: نحت المادة المختارة مباشرةً ، دون بناء نماذج تحضيرية. في عام 1924 تزوجت من الفنان جون سكيبينج وظلت مرتبطة به حتى عام 1931. في عام 1932 بدأت علاقة مع الرسام بن نيكلسون ، الذي قامت بعدة رحلات معه في جميع أنحاء أوروبا ، كانت خلالها على اتصال بفن موندريان ، براكيس. وبيكاسو وبرانكوسي.

كورنثوس ، عرضت أعمال باربرا هيبورث في تيت في ليفربول ، 1954-1955 (ويكيميديا ​​كومنز)

استوحى هيبوورث الإلهام من هؤلاء الفنانين وفي الثلاثينيات من القرن الماضي بدأ في التركيز على الأشكال المجردة ، واكتسب بعض الشهرة الدولية: في عام 1950 مثل بلده في بينالي البندقية ، وفي عام 1959 فاز بالجائزة الأولى في سان باولو بينالي وفي عام 1965 كان هناك معرض استعادي لأعماله في متحف كرولر مولر في هولندا.

على الرغم من قدرتها على لعب دور مهم في عالم يهيمن عليه الرجال ، إلا أن باربرا هيبورث لم تكن أبدًا مناضلة نسوية ، ولم تحقق في أدوار الجنسين في أعمالها. لقد طلبت ببساطة ، خلال حياتها الفنية ، أن تُعامل "نحاتة" وليس "نحاتة". يلخص موقع Tate Modern في لندن معنى إنتاجه الفني على النحو التالي: «حتى لو كان له علاقة بالأشكال والتجريد ، فإن فن Hepworth يدور في المقام الأول حول العلاقات: ليس فقط بين شكلين يوضعان جنبًا إلى جنب ، ولكن بينهما الشكل البشري والمناظر الطبيعية المحيطة ، بين اللون والتكوين ، وقبل كل شيء بين الناس على المستوى الفردي والاجتماعي ».


ROBERTA DIAZZI - أحلام كريستالية

يسر Zanini Arte أن تدعوكم في Vernissage القادم التابع المعرض الشخصي من روبرت ديازي ، أحلام كريستالية حررت بواسطة باربرا غيسي. سيعقد الحدث السبت 18 نوفمبر الساعة 6.00 مساءً في Galleria di عبر VIRGILIO 7 أ سان بينيديتو بو (مينيسوتا) ، برعاية بلدية سان بينيديتو بو.

يسعد Galleria Zanini Arte ويشرف في قاعاته استضافة معرض "Crystal Dreams" لروبرتا ديازي ، الفائزة الجديدة بجائزة "Leone d'oro" في الحفل الكبير لـ Arte Cinema e Impresa للمؤسسة Fondazione Mazzoleni كفنانة ناشئة 2017. لطالما استندت شاعرية روبرتا الفنية إلى العلاقة ذات الاتجاهين بين الشيء والمفهوم ، وهي قريبة في البداية من لغة American Pop Art ، ثم تحولت لاحقًا من خلال استخدام بلورات سواروفسكي المعتمدة ، بأقطار مختلفة لإعطاء الطاقة والقوة في التكوين. قاد بحث طويل حول المواد وإمكانياتها اللامحدودة الفنان إلى تطوير لغة أصلية ومعبرة وتركيبية ، يعطي من خلالها الحياة والشكل للفكر والتفكير. في أعمال روبرتا ديازي ، يتم اعتبار كل شيء بلطف وثمين. إنها ثمينة يتم لعبها في الاتحاد بين فعل قديم قائم على تصنيع بعيد عن الأوقات المحمومة للعالم الحالي ، والأعمال نفسها. الأعمال التي تظهر كشهادة مرئية لشغف حيوي ، تتم معالجتها بعناية في كل نقش ينقله الكريستال ، كل اختلاف سطحي يحتل مكانًا دقيقًا في إنشاء درجة إجمالية متناغمة. بالمرور بين يدي الفنان ، تظهر صلابة حجر سوارفوسكي على قيد الحياة ، وتتشكل وتتحول إلى الدفء الناعم للمنحنيات ، أو اللوالب الملتوية التي تشكل أشكال عالم الحيوان ، أو الصور التي تتحدث عن الحياة الحية. روح من التوهجات الموحية والمكثفة التي تظهرها الأعمال عندما يضربها الضوء ، كإيحاء لحيوية خفية ، مخفية وجاهزة للانفجار بقوة لونية ذات مظهر خارق للطبيعة. إن الرسم بالبلورات مخصص لروبرتا ديازي لدعم التدفق الإبداعي المستمر وغير المنقطع: انعكاس يبرز على شفافية زجاج شبكي ، كصورة غير متوقعة ، مما يذكرنا بأن ندع أنفسنا مدفوعين بجو الخيال.

أناقة وصقل العمل الفني.

إن المسار الفني والمعرض الذي قدمته روبرتا ديازي في سنوات قليلة مثير للدهشة. لكن الأكثر إثارة للدهشة هي الأهداف التي حققها فنان موديني من خلال الجدارة بموارده الخاصة. اللافت للنظر هو الاتساق الذي اتبعه في اتباع أسلوب شخصي مع مرور الوقت ، مع تغيير المواد والموضوعات الخاصة بالموضوعات المصورة. يؤكد بعض النقاد أن تاريخ الفن يتكون من تعاقب الحركات واللغات ، والتي تنبثق منها التجارب الفردية للفنانين المبتكرين. تساهم هذه في المساهمة الأصلية للتقنيات والأساليب الجديدة ، والتي ، مع ذلك ، لا يمكن تفسيرها بسهولة أو تحقيقها ، تظل فريدة من حيث الابتكار والجودة المحققة. هذه هي حالة روبرتا ديازي! أعماله ، التي قد تبدو للوهلة الأولى بسيطة ، هي بدلاً من ذلك نتيجة بحث عن مواد ثمينة وباهظة الثمن ليست متاحة بسهولة للجميع ، ولهذا السبب أيضًا يبحث عنها العملاء الأكثر ثراءً وتطلبًا. للتعويض عن تلك الروح المضطربة والمعاصرة لمجتمع يفرض دائمًا رغبات جديدة ، ويزيد من تضخيم الأحلام. ثم ينبثق ترتيبهم الأنيق والصعب في العمل من خبرة طويلة ومُثرية وصقل خطوة بخطوة. تعد كريستالات سواروفسكي ذات الأحجام والألوان المختلفة هي البطل المطلق لأعماله المرموقة. من عام 2011 فصاعدًا ، تشكل هذه المواد الثمينة ذات الأوجه والانعكاس إبداعاته بالكامل. بمقاييس يتراوح قطرها بين 4 ونصف ملليمتر ، لتتمكن من تغطية أصغر المساحات من السطح المعالج ، فإنها تتكسر وتعكس الأضواء والألوان ، مما يمنح الأشخاص الاهتزاز والحيوية. كل عمل مصحوب أيضًا بشهادة أصالة من بلورات سواروفسكي. الضوء ضروري للتمتع بالعمل. إذا كانت مباشرة أو مماسة ، فإنها تخلق انعكاسات أو ظلال تعمل على تعديل الرؤية ، مما يبرز حركة وديناميكية الأشكال. ثم يتم دمج الصورة وإكمالها بالحساسية الشخصية والإدراك. تعيش أعمالها في فقرات مختلفة: الصورة الفوتوغرافية التي تفككها الفنانة لرسم رسومات تنسب إليها هي نفسها مسرحيات من الضوء والداكن ، والألوان القوية والألوان الناعمة ، ومسرحيات الظلال والضوء. ثم يتم نقل الرسومات بقلم رصاص ناعم على الدعامة. حتى السطح الذي يتم تطبيق البلورات عليه هو نتيجة بحث طويل عن المواد ، لتعزيز قيمتها إلى الدرجة التاسعة. هذا هو زجاج شبكي أسود. الألواح اللامعة التي تزيد الانكسار اللامع واللون لدرجة إعادة عمل انعكاس ثانٍ. روح مختبئة بين الظلمة والنور تنبثق بناءً على موقف الراصد. وبالتالي ، فإن المعاني المتداخلة ومتعددة الحواس للأعمال التي يمكن أيضًا لمسها بالإضافة إلى رؤيتها. ومن خلال اللمس ، كالضوء ، تدخل روح المشاهد. لذلك فإن البحث والأناقة والاحتراف يميزان عمل هذا الفنان ، المتواضع والبسيط في كيانه ، ولكنه عنيد ومثابر في أهدافه. انطلاقًا من الأسس المتينة للتخصص في تقنيات الرسوم ، التي تم تحقيقها في معهد "فنتوري" للفنون في مدينتها ، تمكنت من استخدام التواصل الفوري للعلامة من خلال تقنية فن البوب.أناقة الصور ، سواء في اللون أو في ظلال رمادية بين الأبيض والأسود. متعة الرؤية الجمالية التي تمتزج مع فورية الموضوع الممثلة ، مع الحفاظ على الطابع الحصري للعمل الفني الفريد. ليس من قبيل المصادفة أن الناس من عيار لوتشيانو بافاروتي أو أفراد عائلة فيراري أرادوا صورة ليده. وتتجاوز صور هذا الفنان البيانات النفسية وتعطينا صورًا بشرية وواقعية تخضع للحاجة إلى الشكل. اعترفت أميرة موناكو اللامعة كارولين وكافأت صقل أعمال ديازي ، واحتفظت بأحد أعمالها لنفسها. ولكن ليس فقط! كما تم الاعتراف بمكانة هذه الفنانة في الخارج ، لدرجة أن السيدة الأولى الصينية بينغ ليوان أرادت صورة لها متقنة بالكامل مع 4800 من كريستال سواروفسكي. شهدت بعد المعارض الفنية الوطنية والدولية بطلة روايتها. لتتويج هذا الالتزام المهم ، حصلت في سبتمبر 2017 في البندقية على جائزة "الأسد الذهبي كفنانة ناشئة 2017" من مؤسسة Mazzoleni. لذلك ، إذا بدت روبرتا ديازي للوهلة الأولى فنانة زخرفية بسيطة ، كدليل على العكس ، هناك عمق مسار له جذوره في تجربة روح إبداعية معاصرة وذكية وحساسة ، مقدرة على تجديد نفسها للبحث باستمرار في الفن عن الشحنة التعبيرية القصوى.

الفنان

روبرتا ديازي فنانة من مودينيس ، تخرجت من معهد A. Venturi Art Institute بخلفية رسومية في مجال الإعلان. يحصي عددًا لا يحصى من التعاون مع المعارض المهمة ، الإيطالية والأجنبية ، الموجودة في إقليم موناكو وفي لوغانو القريبة. شارك في معارض مختلفة في أوروبا ، في الأراضي الآسيوية: هونغ كونغ وسيول وسنغافورة وفي أمريكا: ميامي ونيويورك وسانت بطرسبرغ. تتميز لوحاته الزيتية بـ لافتة مما يجعل أعماله حصرية ، لكن خصوصيته الفنية تكمن في استخدام مئات الآلاف من بلورات سواروفسكي المعتمدة ذات الأقطار المختلفة المطبقة على دعامات سوداء عادةً ، وهي ضرورية لتعزيز تألق وإضاءة وألوان البلورات. ليست لوحات بل فسيفساء من معايرة وقطع الضوء لإعطاء الطاقة والقوة للأشكال. استوحى الفنان من فن ما بعد الحداثة ، الذي يُعزى إلى تلك المراجعة الأسلوبية الأصلية المستمدة من الكوميديا ​​التي كتبها روي ليختنشتاين ، وفن البوب ​​آرت لأندي وارهول الذي فرض "ضرورة" صوره على كبار الشخصيات في عصره. تلقى الرسام عمولات مهمة من عائلات إيطالية شهيرة ، بما في ذلك عائلة فيراري وعائلة مونتيزيمولو ولوتشيانو بافاروتي نفسه. لعدة سنوات ، تم البحث عن فنه بشكل كبير في الخارج: في إمارة موناكو ، تعرض الأميرة كارولين عمل "l'œvre pop de Monaco" في مرسمها الملكي. أخيرًا في الترتيب الزمني ولكن ليس من الأهمية ، نتذكر صورة Peng Liyuan ، المصنفة ضمن أهم الأعمال في المجموعة الخاصة للسيدة الصينية الأولى. اليوم Diazzi جنبًا إلى جنب مع الوجوه المعروفة في الحياة الدنيوية محاطة بنجوم مهمين يخاطرون بشكل خطير بالنسيان. يمكننا تعريفها على أنها "رسامة حيوانات" ، فإن صورها ، في الواقع ، تعيد إنتاج حيوانات شرسة وملكية وبرية تتطلع إلى المشاهد المشتت. سجناء الأطر ، يشيرون ، يمشون ويطيرون نحونا نحن الذين نراقبهم ونحن نمحوهم من عالمهم. الفن حاجة ، وحاجة روبرتا ديازي هي جلب هديرهم إلى ضمائرنا.

الدخول مجاني

فيسبوك: Art Gallery Zanini Arte


من اللصق إلى النسوية: من هي باربرا كروغر وماذا فعلته من أجل حقوق المرأة

بمناسبة اليوم العالمي لمناهضة العنف ضد المرأة ، نعيد قراءة قصة الفنانة الأمريكية: لا يزال اليوم مرجعًا للفن لصالح الحقوق المدنية

ال نيويورك تايمز انتخب مؤخرا باربرا كروجر من بين عظماء العام، وإدخاله بين خمس شخصيات مؤثرة في عام 2020 - إلى جانب FKA Twigs و Dawoud Bey و Angela Davis و Sigourney Weaver. عندما نفكر في باربرا كروجرلك على الفور أوبرا اكثر شهرة: "بلا عنوان (جسدك هو أرض الضرب)". كان ذلك في عام 1989 وكان العالم يسير تحت أنظار أحد النساء الذي كان وجهه ، في منتصف الطريق بين الواقع والاستقطاب الخاص به ، يسيطر على مشهد واشنطن. سارت النساء في شوارع عاصمة الولايات المتحدة الأمريكية ضد التشريعات المناهضة للإجهاض، الذي شهد اصطفاف رو ضد ويد في مبارزة سياسية. في هذه الأثناء ، كانت الخطوط الحمراء على وجه كروجر تقول: "جسمك / هو / ساحة معركة".

ثوري وخالد مع بلده ملصقات باربرا كروجر قام بتحويل جدران نيويورك إلى سبورات للتواصل النشط. بعد كل شيء ، "الجدران ليست ما هي عليه فقط. إنها أيضًا ما نود أن تكون عليه: دعم الآمال ، وحماية الحاضر" - لوضعها في سوتساس. في نفس السنوات ، مدينة بدأوا في جمع صرخة رؤيا: أ نيويوركبفضل مساعدة طلابها في برنامج الدراسة المستقلة التابع لمتحف ويتني للفنون الأمريكية ، قامت باربرا كروجر بتغطية المدينة ببيانها الرسمي بعد بضعة أشهر ، كلفها مركز ويكسنر للفنون في جامعة ولاية أوهايو بعمل نسخة أكبر. ها ملصق من الناحية الأيقونية ، كان مرتبطًا جدًا بالنضال المؤيد للإجهاض ، في غضون 12 ساعة ، قامت مجموعة معارضة بتعليق مجموعة أخرى ردًا على ذلك ، وتصور جنينًا يبلغ من العمر ثمانية أسابيع. بالفعل في بداية التسعينيات ، باربرا كروجر أصبحفنانة حقوق المرأة. ولم يتوقف عن الوجود. لأنه حتى في الماضي القريب إلى حد ما ، وقع كروجر غلافًا لـ مجلة نيويورك بمناسبة انتخاب الرئيس الأسبق للولايات المتحدة: نحن في 2016 ووجه دونالد ترامب على الصفحة الأولى الرياضة عبارة "خاسر" - احتجاجا على العديد من تصريحات معادية للمرأة صادر عن رجل الأعمال الأمريكي.

على مدار العشرين عامًا الماضية ، قام برنامجعمل كروجر لقد نمت إلى حد إحاطة الزوار بغرف كاملة من صالات العرض والمتاحف ، من خلال (أيضًا) المعارض التفاعلية الغامرة لأعماله. اليوم ، "مواجهة متانتها المزعجة تعني نزع السلاح في مواجهة الاختلافات في السلطة والثروة (.) وتساعد على التفكير في تكرار معين للموضوعات في التاريخ" كتبت ميغان يا جرادي في نيويورك تايمز. على سبيل المثال ، في يونيو من هذا العام ، رافقت الأعمال التي تم إنجازها في لوس أنجلوس قبل بضعة أشهر الاحتجاجات باسم جورج فلويد. وهكذا ، فإن عبارة "من يشتري الخداع؟" كانت الخلفية لخطوط الأشخاص المقيدين إلى جدار على طول شارع الغروب. لقد أدى كل نوع من أنواع الظلم إلى ظهور أعمال التنديد ، لكنها موجودة النساء ليحتل الدور الرئيسي في خطابه الفني. بدءا من الحط من جمال شرائع الأنثى النمطية للكشف عن الضغوط النفسية التي كثيرا ما تعاني منها المرأة - أشكال عنف معاصر ، حتى وأحيانًا ، غير مرئي - حاول كروجر كشف الرسائل التقليدية لـ حال التحدث (والتحدث) إلى المارة في الأماكن العامة. لا للمرأة المثالية المثالية ونعم للاختيار الحر. ناشط نسائي؟ نعم ، لكن بدون التطرف. لقد جرد الزواج من ضغوطه الاجتماعية: من الممكن أن نحيا حياة خارج الصندوق الأم - الزوجة - ربة المنزل من الممكن تنجيد مدينة بأفكار ثورية ، فمن الممكن أن يكون لديك إلهام من الممكن ألا تكون في خدمة الرجولة والتملك والتفوق والقوة.

إلى جانب كل الموضوعات - المعروفة الآن - لباربرا التي نحبها ، يجب أن نسأل أنفسنا لماذا فنان مفاهيمي ، عمود من الرسوم التماثلية ، قام بترجمة لصق من الورق والصمغ في عمل فني ، حديث جدًا حتى في العصر الرقمي. قالت الصحفية ميغان أو جرادي: "يبدو أن كل شيء ولم يتغير شيء منذ التسعينيات". بدلاً من ذلك ، خلال عشرين عامًا ، كانت هناك ثورة تكنولوجية ، ولكن الحقيقة هي أن باربرا كروجر ، بالإضافة إلى توقعها للعصر وإنشاء الميمات الأولى في التاريخ ، قد أعطت الحياة للرسالة القصيرة - ليس لأغراض الدعاية ولكن من أجل المشاعر المدنية. الإيجاز ، الذي ربما يمليه استمرار ضيق الوقت ، هو اليوم التحدي المتمثل في الاتصالات: تغريدات من 280 حرفًا ، عناوين جاهزة للذوبان في الإنترنت ، لغة متقطعة وسريعة. لقد احترمت رسالة كروغر الموجزة والمكثفة جميع شرائع السرد المعاصر وتحترمها. لهذا السبب ، اعتبر الكثيرون عمله شكلاً من أشكال التسويق بدون علامة تجارية - إن لم يكن خاصًا به. أخبرت الفنانة النسويات ذلك الحديث عن النسوية بدون قوة الصور يكاد يكون عديم الفائدة: من الضروري إعطاء شكل آخر من أشكال الجمال أو تفكيك الشخص المقدّس لإخبار الوجه الآخر بالأنوثة. كانت اتصالاته سلاحًا حاول إبطال الهيمنة - ولا تزال قائمة حتى اليوم.

تدرس كروغر اليوم في جامعة كاليفورنيا - وهي تحمي خصوصيتها وتعمل بدون مساعدين ، عمليًا منجم الفن الأمريكي. عندما حاولت المراسلة ميجان يا جرادي إجراء مقابلة معها في The New York Times's Great's Issue ، أصبح كروجر متحفظًا بشكل متزايد مع اقتراب يوم المقابلة. ويا له من إحراج أن تطلب صورة لتوضيح قطعة لشخص ما ، لمدة عشرين عامًا أو أكثر ، عمل وما زال يعمل من أجله تفكيك الكليشيهات من الصورة! أنتج الإنتاج الفني لباربرا كروجر قصصًا و مقالات مثل واحد في نظرة ذكورية بواسطة لورا مولفي ، المتعة البصرية والسينما الروائية (1975) - ربما مستوحى من تمثال نصفي أنثى منحوتة في الحجر بعنوان "بلا عنوان (نظرتك تلامس جانب وجهي)" موقعة على عمل كروجر الذي يعود تاريخه إلى عام 1981.

"كل صور نمطية عنف" ، "بريئة. ليس لديك ما تخشاه" ، "من تعتقد أنها هي؟" ومرة أخرى "لسنا بحاجة لبطل آخر" ، "هل هذا هدفي الوحيد؟" ، "زين سجنك" - نحتاج مرارًا وتكرارًا إلى شعارات جديدة لتنظيم التوازن الاجتماعي والسياسي والاقتصادي. لهذا السبب ، لا تتوقف باربرا كروجر عن إنشاء أعمال تخبر الجانب الآخر من العملة (الأنثوية).


GHISI ، ثيودور

GHISI ، ثيودور. - ولد في مانتوفا عام 1536 ، حيث كان والده لودوفيكو ، وهو تاجر أصلاً من بارما ، قد "استثمر" في نفس العام من قبل Spedale بحيازة منزل في منطقة Cigno ، ثم أعاد تأكيده إلى G. في 1576 و في 1590 (D 'Arco ، II ، ص 138 وما بعدها ، 267).

في السنوات الحاسمة لتشكيلها ، كانت مانتوفا مدينة ، في ظل رعاية غونزاغا للكاردينال إركول ودوق غولييلمو ، كان لا يزال لديها العديد من الديون الثقافية تجاه جوليو رومانو ، الذي توفي عام 1546: بعض الأساتذة ، الذين كانوا بدرجات متفاوتة تعاونوا معه ، أو الذين نشأوا في أي حال من الأحوال على اتصال مباشر مع أعماله ، فقد قاموا بإدامة الأساليب والنماذج ، وبالتالي تغذية ذوق المحكمة الدوقية. في الترجمة والوساطة topoi giulieschi ، كان لورشة Ippolito Costa أهمية معينة ، حيث كان لابد من إكمال تدريب G. ، بجوار نفس العمر ، وابن Ippolito ، Lorenzo ، وليس مع الأخير ، لأنهم اترك فهم المصادر (المرجع نفسه ، أنا ، ص 78 ق.). وهكذا ، تعلم G. استخدام معجم يتخللها حالات متشددة لوحظت في النتائج التي حققها الموقع التصويري للكاتدرائية ، الذي افتتح في عام 1552 ، وتم دمجه لاحقًا مع الابتكارات الرومانية التي جلبها لورنزو كوستا نفسه إلى مانتوا ، الذي بين ديسمبر 1561 و ' أكتوبر 1564 تعاون مع Federico Zuccari في زخرفة كازينو Pius IV وكذلك تعمق من خلال الخبرات المكتسبة أثناء الإقامة في روما ، في Fontainebleau و Flanders ، لأخيه جورجيو ، الذي كان أكبر من ستة عشر عامًا وما زال نشطًا في الفن من النقش. يرجع التعاون الذي أدى إلى تقديم G. لتقديم الاختراعات التي ترجمها أخوه بيانياً إلى علاقة تأثير متبادل. هذا ما حدث للنقش الذي يصور أنجيليكا وميدورو ، ربما من لوحة مفقودة من قبل G. ، ولكن تم الاحتفاظ بها مرة واحدة في مجموعة خاصة في أمستردام (Thieme - Becker ، ص 565) أو ، بالنسبة للوحة مع Venus و Adonis ، Giorgio مشتق من نسخة أصلية لـ G. ، مفقودة ولكنها موثقة في مجموعات Gonzaga حتى عام 1627 (Luzio ، 1913 ، ص 95 وما يليها) ومعروفة من خلال نسخة مجهولة محفوظة في متحف الفنون الجميلة في نانت. رسم منسوب إلى G. ، يتعلق بتفاصيل putto with rabbit ، محفوظ في Chatsworth.

لتأكيد العلاقات الوثيقة مع بيئة مانتوان ، ومع كوستا على وجه الخصوص ، لا يقتصر الأمر على العائلة المقدسة مع س. Giovannino من كنيسة S. Maria di Castello di Viadana ، تكريمًا لنماذج جوليان الأولية ، التي تشير إلى نهاية العقد السابع أو على الأقل إلى بداية القرن الثامن ، ولكن قبل كل شيء المذبح مع معمودية المسيح ، من أجل التي دفعت في 1572 ، لمذبح س. جيوفاني باتيستا في كنيسة س. باربرا البلاطية (جوزي ، 1974 ، ص 91).

تم بناء الكنيسة بإرادة Duke Guglielmo على مدى عقد من الزمان ، بدءًا من نهاية عام 1562 ، وكانت موقعًا مهمًا للبناء حيث عمل الفنانون تحت إشراف G. بيرتاني مهندس المصنع والمسؤول عن زخرفة المذابح ، وربما حتى في توريد مجسمات للرسامين. لذلك تم وضع اللوحة التي رسمها جي ، وهي واحدة من أولى أعماله العامة ، ضمن دورة متجانسة من وجهة نظر تركيبية وحتى أسلوبية ، والتي كانت انحرافاتها "الرومانية" ترجع جزئيًا إلى الوجود المحلي للمنسوجات مع أعمال الرسل مستمدة من الرسوم الكاريكاتورية لـ Raphaelesque وتبرع بها Guglielmo للكنيسة Palatine في عام 1569.

إذا التزم مع معمودية السيد ج. بالرسم المهذب للأصل الروماني ، فقد أظهر نفسه ، في تمثيله لببغاء بدقّة قصوى ، منتبهًا إلى تقديم التفاصيل الطبيعية. في تلك السنوات نفسها ، صور ، من بين أشياء أخرى ، في رسمين ملونين ، الببغاوات الموجودة في مقر إقامة دوقة إليونورا من هابسبورغ ، بناءً على طلب Ulisse Aldrovandi ، الذي وصف المتحف الانتقائي الذي يملكه G. غرفة صغيرة في مبنى Te. هنا كان يتقاضى راتبه كـ "وصي" (بيلوزي ، ص 69) ، ومنذ عام 1574 ، كان لديه غرفة للرسم (النقوش ... ، ص 20).

في عام 1872 تم قمع وتدمير مصلى مانتوان في س. أنطونيو. من بين المفروشات كانت هناك لوحتان رسمهما G. ، الثالوث بين ss. تم العثور على روكو وسيباستيانو ، الآن في لوحة محفوظة في متحف Castelvecchio في فيرونا ، موقعة ومؤرخة عام 1577 ، واجتماع يواكيم وآنا ، الموجود في مجموعات القصر الدوقي في مانتوفا. إنه على وجه الخصوص في تكوين الأخير ، بالإضافة إلى الصيغ اليوليانية المعتادة ، يتم تسجيل أصل اسكندنافي قوي ، ويرجع ذلك بلا شك إلى الاتصال الوثيق مع شقيقه وإنتاجه الغرافيكي. إذا تم تأكيد الأبوة ، يمكن أن يعود تاريخ وعظ المعمدان لكنيسة مانتوان في أوغنيسانتي إلى هذه الفترة.

حوالي عام 1579 كان ج. نشطًا في كاربي: في هذا التاريخ يظهر اسمه في سجلات أخوية الرحمة. من اللوحات التي رسمها في كاربي التي ذكرها كامبوري (ص 243 وما يليها) ، افتراض السيدة العذراء لكنيسة S. Giovanni Battista ، و Madonna and Child with ss. Nicola و Lorenzo ، لخطابة S. Nicola ، موجود الآن في كنيسة S. Rocco. يوجد في الكاتدرائية الزيارة ، التي أجريت للوكا باوليتي ، والتي يظهر شعار النبالة والأحرف الأولى منها كدليل جيد في الوسط السفلي: إنه عمل يمكن تأريخه ، مثل أعمال كاربي الأخرى ، حتى نهاية السبعينيات. ، أيضًا لأنها قريبة جدًا ، من حيث التقنية التنفيذية والبنية التركيبية نفسها ، من لوحات عام 1577 ، وعلى وجه الخصوص ، من لقاء يواكيم وحنة.

تم إرجاع صلب المسيح والقديسين إلى أوائل الثمانينيات ، الآن في كنيسة S. Martino di Treviglio ، ولكن من Mantua. تُحيط هنا اللدونة الصلبة للأشكال ، لا سيما في تفاصيل المناظر الطبيعية في الخلفية ، وهو الوريد الوصفي ، الذي تم تقديمه بملاحظة لونية معينة من النوع المصغر ، ويبدو أنه مشتق من النشاط الذي أجراه G. في المجال. من الرسوم التوضيحية لكتاب الشخصية. كلاهما علمي - له منمنمات De omnium animalium naturis atque formis بواسطة Pier Candido Decembrio المحفوظة في مكتبة الفاتيكان الرسولية - والدينية ، مع المنمنمات التسعة الباقية من الكتب الليتورجية للكنيسة الحنكية في القديسة باربرا.

الرسام الذي دفعته المحكمة (الذي لجأ إليه أيضًا للحصول على المشورة بشأن المجموعات الدوقية) ، شارك G. مع فنانين آخرين ، في التعهد الذي أراده أسياد مانتوا ، وعمل نسخًا من صور الشخصيات العائلية في أوائل الثمانينيات. المجموعة التي أنشأها الأرشيدوق فرديناند من النمسا-تيرول ، شقيق الدوقة إليونورا ، التي كانت محفوظة سابقًا في قلعة أمبراس واليوم في متحف Kunsthistorisches في فيينا. أدى نشاطه كناسخ ، بتشجيع من لجان غونزاغا العديدة ، خاصة في التسعينيات ، إلى عمل نسخ لعائلة كابيلوبي ، المشتتة الآن ، من سلسلة الأباطرة التي رسمها تيتيان لفيديريكو غونزاغا. تم تحديده بشكل أفضل (تيليني بيرينا ، 1979 ، ص .243) ، وفي مايو 1590 مرة أخرى سلسلة من الأباطرة (بيرتولوتي).

يجب وضع إعادة التنظيم التي روج لها الدوق غولييلمو لمواقع السلطة ضمن برنامج سياسي شامل: بالإضافة إلى قصر الدوقية ، قلعة جويتو ، التي دمرت في القرن الثامن عشر. شارك في زخرفة الغرف "أشهر الرسامين المتميزين الذين تراجعوا هوغي" (وصف… ، ص 272). تم توثيق G. ، الذي أعد مع Ippolito Andreasi الرسوم الكاريكاتورية في Palazzo Te ، في غرفة النصر في شقة Guglielmo ، حيث رسم بعض اللوحات لمواضيع تاريخية سلالة تم التعرف عليها في اللوحات الكبيرة لقلعة Opočno ، وليس بعيدًا بعيدًا عن براغ: قسم لويجي غونزاغا ، القتال بين الأخوين لودوفيكو وكارلو غونزاغا ، ومع إسناد مشكوك فيه أكثر (بيرزاغي ، 1985 ، ص 53) ، حقيقة منزل غونزاغا. من خلال وضع الحركة بشكل أساسي في الطابق الأول المزدحم بالشخصيات الصغيرة ، امتثل G. بالتأكيد لطلبات برنامج الاحتفال بالأسرة ، ولكن دون النظر في أقرب سابقة وأكثرها شهرة ، والتي تتكون من اللوحات القماشية التي صنعها Tintoretto للغرف الجديدة التي أرادها Guglielmo في قصر الدوق.

في نهاية عام 1587 ، تم استدعاء G. إلى Graz ، إلى الأرشيدوق تشارلز الثاني من ستيريا ، شقيق الدوقة إليونورا ، كفنانة دفعتها المحكمة. رأت اللجنة الأولى المهمة أن G. شارك في تنفيذ Symbolum apostolorum ، موقعة ومؤرخة 1588 ، وتم الاحتفاظ بها في Landesmuseum Joanneum في غراتس.

في تصورها كصفحة مصورة (المربعات الجانبية ، بعضها استعاري ، والبعض الآخر مع قصص المسيح ، والتعامل مع المجد واللوحة المركزية مع خلق حواء) ​​، يوضح G. جميع خصائصها: رسام منتبه إلى البيانات الطبيعية في التقديم من الحيوانات المخلص دائمًا لأصله الكلاسيكي Raphaelesque ، والتي تستمد منها معظم المخططات المستخدمة في الألواح الصغيرة للوريد المصغر السهل الذي يحرص على جمع التأثيرات الفلمنكية الراوي الماهر. سهّل اعتماد مخطط "ألغاز" المسبحة الوردية القصد التعليمي المعلن للرسم ، وبالتالي الموافقة على طلبات الأرشيدوق ، المنخرط في أعمال ترميم كاثوليكية داخل دولته.

كان على اللوحة أن تستجيب لتوقعات العميل ، لدرجة أنه في نفس العام 1588 عمل G. ، كما يتذكر أيضًا نقش مرسوم على القبو ، في الضريح الفخم الذي بناه الأرشيدوق تشارلز لنفسه ولأجل. زوجته ماريا دي بافييرا ، ملحقة بكاتدرائية Seckau. تعود الزخرفة ككل إلى G. ، على الرغم من أنه كان لديه مساعدة ، حيث تم تقليل جميع اقتراحات مصفوفة Raphaelesque وحتى Corresque إلى صيغ نحوية ، إلى موضوعات بلاغية مقننة.

لوحات القبورين المتقاطعتين اللتين تشكلان السقف مع افتراض العذراء وانتصار الكنيسة ترجع إلى G. ، المذبح مع التجلي المحاط بالأعمدة التي يصور فيها الإنجيليون الأربعة بالزيت على اللوح الكبير على الجدار الجانبي فوق النصب التذكاري مع حلقة بارفولوس Sinite. صورة عائلية حقيقية ، تم فيها استخدام مخطط نظاري قديم ولكنه فعال ، وهو يمثل أيضًا موضوعًا تم تناوله في لوحة قماشية محفوظة في Joanneum في Graz ونفذها G. في نفس الوقت ، على الرغم من حرية أكبر في التركيب. ومع ذلك ، فإن إحدى الخصائص التركيبية لـ G. تظل ثابتة ، وهي إلغاء المستويات الوسيطة التي تخلق فجوة بين الأفق والمستويات القريبة مباشرة من المراقب.

لا يزال بالنسبة للمحكمة ، رسم G. في عام 1587 صور الأرشيدوق ، المفقودة الآن ، واللوحات الجدارية لمصلى البلاط في غراتس التي لم يعد يتذكرها موربورغو (ص 54 و ر. LXXXIX) في الموقع. على الرغم من أن تشارلز الثاني كان قد منحه معاشًا سنويًا قدره 100 فلورين سنويًا في عام 1589 ، عاد جي إلى مانتوفا في عام 1590. ومع ذلك ، لم تتوقف الاتصالات مع غراتس ، إذا توسط دوق مانتوا فينتشنزو في عام 1599 مع G. لنسخ لوحة لوكا لونجي التي رأتها في دير S. Benedetto di Polirone (Luzio ، 1913 ، ص. 95).

بعض اللوحات غير الموثقة ، ولكن يمكن الرجوع إليها ، وإلى لحظة بعد عودته مباشرة إلى مانتوا ، تتأثر بشدة بالتجارب التي نضجها ج. في ستيريا ، وقبل كل شيء بفكرة معينة من التمثيل القديم. La Maddalena della chiesa di S. Martino conferma le sue singolari doti coloristiche, come pure il Salvator Mundi della chiesa di S. Barnaba, dove lo sfondo di rovine può essere messo in relazione con i quadri realizzati in Stiria, ma anche con alcune stampe del fratello. Una tale sensibilità verso il rovinismo compare anche nella Madonna con Bambino del capitolo della cattedrale mantovana, ancora riferibile al G. e alla fine del nono decennio. A una fase più avanzata dovrebbero invece risalire due dipinti in collezioni private mantovane, l' Estasi della beata Osanna e il Gesù e le Marie (Tellini Perina, 1979, pp. 265-268).

All'inizio degli anni Novanta il G. lavorò nel duomo di Mantova insieme con Ippolito Andreasi. Condotta su iniziativa di Francesco Gonzaga, vescovo di Mantova, dal 1593 profondamente impegnato nella riforma della diocesi, l'impresa si estese alla decorazione ad affresco della cappella dell'Incoronata, del transetto e della cupola, nonché alla fornitura di cartoni per gli arazzi donati alla chiesa dal vescovo nel 1599.

Gli affreschi della cappella, con la Pentecoste e la Morte della Vergine sulle pareti e l' Assunzione nella volta, sono caratterizzati da un impianto di ampio respiro, e da una monumentalità senza fasto che si ritrova nei riquadri delle pareti del transetto, dove sono dipinti, in un intento ancora dichiaratamente dinastico, gli episodi più illustri della Chiesa mantovana. Esiti "neo-feudali" (ibid., p. 258) sono più evidenti qui che non nel resto della decorazione del transetto, negli ovali e ottagoni della volta con i fatti degli Ordini domenicano e francescano, o nella cupola, dove è rappresentato il Paradiso con i cori angelici .

Sottoposta a un programma dettagliato, questa parte della decorazione del duomo mostra una omogeneità stilistica tale da rendere poco agevole l'individuazione delle pertinenze specifiche del G., qui attivo fino alla morte. L'opera sarebbe stata proseguita dal solo Andreasi.

Già malato di gotta, il G. morì a Mantova nel 1601 e fu sepolto nella chiesa di S. Marco nella tomba da lui stesso fatta costruire. Lasciava Caterina, sua moglie, e il figlio Ludovico (D'Arco, II, p. 267).


TOMAS SARACENO: VITA E OPERE RIASSUNTE IN MINUTI (DI ARTE)

1. Tomás Saraceno è un artista, architetto e performer, considerato uno dei più importanti artisti contemporanei del Sud America. Nasce a San Miguel de Tucuma in Argentina nel 1973, ma trascorre alcuni anni dell’infanzia in Italia, per poi far ritorno in Argentina e studiare architettura e arte a Buenos Aires.

Nel 2001 torna in Europa e si iscrive alla Städelshule di Francoforte (una scuola di arti applicate molto selettiva) allora diretta da Daniel Birnbaum, mentre nel 2003 frequenta il corso di Progettazione e Produzione delle Arti Visive allo Iuav di Venezia tenuto da Hans Ulrich Obrist and Olafur Eliasson.

2. La formazione di Saraceno si è sempre contraddistinta per essere a cavallo tra architettura, arte e scienza. Infatti al di là degli studi artistici, nel 2009 raffina gli studi presso l’International Space Studies Program della Nasa nella Silicon Valley.

Nel 2012 è stato il primo artista residente al Center for Art, Science and Technology (CAST) al prestigioso Massachusetts Institute of Technology (comunemente chiamato MIT), mentre nel 2014 ha fatto una residenza al Centre National d’Études Spatiales (2014–2015) a Parigi.

3. La prima partecipazione di Saraceno ad un’esposizione internazionale avviene alla Biennale Architettura a Venezia nel 2002 (a cura di Deyan Sudjic).

Da quel momento nascerà un rapporto particolare con la Biennale di Venezia (sia quella di Arte che di Architettura) che culminerà con numerose partecipazioni, sempre apprezzate: nel 2003 (Biennale arte a cura di Francesco Bonami), nel 2009 (Biennale Arte a cura di Daniel Birnbaum), nel 2014 (Biennale Architettura a cura di Rem Koolhaas ) e nel 2019 (Biennale Arte a cura di Ralph Rugoff ).

4. Una delle più grandi fonti di ispirazione di Tomás Saraceno sono i ragni e le ragnatele. È stato il primo infatti ad utilizzare uno strumento in grado di misurare, scansionare e digitalizzare in 3d una ragnatela.

Nel 2010 alla Bonniers Konsthall di Stoccolma presenta 14 Billions un’installazione in cui per la prima volta nella storia viene presentata la scansione tridimensionale di una ragnatela, di una vedova nera. Le sue ricerche sui ragni proseguono tuttora nel suo Arachnid Research Lab.

5. Un’installazione di grande impatto dedicata alla ragnatela è In Orbit presentata nel 2013 nella piazza Ständehaus di Düsseldorf, o per essere più precisi sulla piazza. Perché In Orbit è una grande ragnatela contenente delle sfere di 2.500 mq suddivisa in tre livelli, sospesa a più di 25 metri dal suolo completamente abitabile.

I (coraggiosi) visitatori potevano salirci e vedere la piazza dall’alto come se volassero. Come per le ragnatele, ogni visitatore che saliva, modificando la tensione dei fili generava una vibrazione percepita da tutti i presenti. L’idea di Saraceno era proprio riuscire a dare agli spettatori una percezione dello spazio tramite la vibrazione della struttura, come accade per i ragni.

6. Un’installazione dal concetto simile, On Time Space Foam(il titolo è preso da un’espressione usata dal fisico Paul Davies riferita alla teoria dei quanti) è stata presentata nello stesso anno all’hangar Bicocca di Milano, a cura di Andrea Lissoni.

Si tratta di un’installazione praticabile fatta di membrane poste a 20 metri dal suolo, in cui gruppi limitati di visitatori potevano tuffarsi e muoversi come se fosse un enorme dirigibile/nuvola. L’effetto di chi osservava dal suolo era quello di una grande membrana organica i cui movimenti dei fruitori rendevano viva.

7. Lo spazio e la gravità sono altri temi ricorrenti in Saraceno. Il suo progetto Cloud Citypresentato nel 2011 all’ Hamburger Bahnhof di Berlino era ispirato a cupole geodetiche di Buckminster Fuller e ai fantastici giardini sospesi di Alex Raynold.

L’installazione consisteva in Diverse sfere, simili a gigantesche bolle di sapone con all’interno piante e piccoli giardini. Alcune erano sufficientemente grandi da permettere al fruitore di entrare e vivere un’esperienza di sospensione.

8. Cloud Cities è parte di un progetto più ampio in cui Saraceno immagina di poter ricreare una città transnazionale ed ecosostenibile tra le nuvole ispirandosi a bolle di sapone e ragnatele.

Un’ispirazione che si avvicina molto alla progettazione utopica di studi di architettura come gli Archigram, gruppo di avanguardia che negli anni ’60 ipotizzavamo strutture visionarie ed utopiche che dovevano influire sullo stile di vita degli abitanti. Non è un caso che nella sua formazione alla Städelshule di Francoforte Saraceno abbia studiato anche con Peter Cook tra i fondatori degli Archigram.

9. Il cielo rientra anche nel grande progetto di Tomás Saraceno dal titolo Aerocene, presentato durante la Conferenza sui Cambiamenti Climatici al Gran Palais di Parigi nel 2015. Si tratta di un progetto che fa alzare in volo e fluttuare in cielo sculture volanti ad emissioni zero. Tutto avviene grazie al calore del sole e alle radiazioni infrarosse emanate dalla Terra. Il progetto è tuttora attivo ed in continua evoluzione.

Nel gennaio 2020 Aerocene Pacha ha fatto decollare e riportare a terra una persona con un viaggio in una mongolfiera a totale emissione zero.

10. l progetto Aerocene mira a sensibilizzare la gente ad immaginare un mondo ecologista e senza emissioni, creando una comunità open-source con cui collaborare e immaginare nuove pratiche. Sul sito ufficiale del progetto è possibile entrare a far parte della community.

La mostra

“Tomás Saraceno – Aria”
Al Palazzo Strozzi di Firenze
fino all’1 novembre 2020


Video: عيسى المرزوق وشهد الزهراني اغنية برنامج شهد شو 2018